摄影师的“上帝”应该是光，因为没有光，也就不会有摄影艺术，没有光，我们即使有再好的设备和构想，也是看不到结果的。我们的想象力犹如鸟儿的翅膀，而光就是托起翅膀的风。芭芭拉·摩根（Barbara Morgan）说：“光给了我创意的形状和脚本，也是我成为摄影师的原因。”摄影缘起于光，光和影的平衡与互动构成了摄影的基本面。作为一个摄影师，前期拍摄就是捕捉光，而后期处理则是调整光在照片上的强度和分布。

        摄影（photography）这个词源于古希腊语中的光（photo）和写（graph）。在一张照片中，光和影、反射、光斑、光晕甚至光源本身都可以作为摄影的主题，光的强度，光源的大小、形状、温度和光线方向、质量、色调，都能够影响照片的表现。任何光的参数变化或是环境的影响，都会使作品传达的内容发生变化。在一张照片中，亮度不仅仅是光在现实中存在的本身，更是摄影师驾驭题材的方向盘。亮度是有感情的，特别是在黑白摄影中，作为画面上惟一的造型工具，控制了亮度就控制了光，这个魔法是不是听起来很伟大？

        人类是一种光敏动物，这不是说人类会像胶片一样产生化学变化，而是人在对亮度的判断上非常主观。亮度在摄影中从来就不是一个单纯的明暗问题，每种亮度都会赋予画面一种特定的情感色彩。在上图片中，亮度会对人们的情感判断产生非常大的影响。

        在前期拍摄中，光来自于如太阳、月亮、星星等的自然光源以及人造光源，对于亮度的控制主要靠曝光控制和光源布局完成，相机仅仅记录而无法制造不存在的光源。而在后期制作中，通过亮度控制可以改变光源属性，甚至是制造不存在的光源。当然，制造光源需要对光有充分的理解，这就是后期的力量。

        摄影继承了西方绘画历史的厚重资源，古典造型艺术的精确透视和光影关系得以在摄影中发扬光大，并获得了科学的证实。因此，西方摄影历史站在绘画的强大基础上，只需关注技术就可以顺利发展了。只要不明显违反传统的审美法则，一个摄影师很容易就能获得审美上的认可。在摄影画面元素的处理方面，可以说技术的束缚要远比审美的束缚严重得多。

        为了理解光线对摄影造型的重要性，我们来看一下传统绘画是怎样利用光线来营造真实感的。早期的绘画大师们谙熟光源的制造和控制，伦勃朗（Rembrandt Harmenszoon van Rijn）、达·芬奇、卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio）和安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres）等人是少数掌握这种创造光源和阴影能力的人，他们的绘画作品中光源的合理性是深入观察真实光线传播效果的结果。

        在西莫内·皮尼奥尼（Simone Pignoni）的作品《 圣彼得罗米拉之死》 中，这样戏剧性的传统布光方式源于对自然光线的理解。

        而现代绘画大师们，特别是毕加索（Pablo Ruiz Picasso）、达利（Salvador Dali）等超现实的画家，则利用光线的真实和意象的荒诞来营造一种超现实的存在感，人们相信这种光在现实世界中存在的可能性，同时也怀疑在这种光线下物体形态的合理性，由此造成的现实背离令人着魔。

        在摄影中，前期拍摄的曝光控制不在本书的内容范畴之内，在此就不再表述。在后期处理中，照片上的任何亮度分布都将是有意识进行控制的结果。与前期拍摄过程相比，后期的可控性大大增加了，图像处理软件为照片的亮度控制提供了最基本且最丰富的功能。

        在安格尔的作品《瓦平松的浴女》中，犹如全局渲染般均匀而清澈的光线也是基于对光线折射的深刻观察。

        相机的前期曝光控制主要是通过调整相机的快门速度、光圈和感光度来完成的，在人工光线环境下，闪光灯灯光的亮度控制也很重要。因为多种原因，拍摄完成的照片并不等于本书意义上的作品，与后期处理相比，前期拍摄照片更像是在获得素材。在LR和PS中，有强大而丰富的功能专注于亮度控制。若是你没有玩过胶片，没有关系，不懂曝光原理、不知道怎样计算EV，这个也并不是什么问题。创意摄影最关心的不是曝光数据本身，而是曝光的心理需要，没有理由的曝光仅仅是一个没有意义的数字罢了，曝光是有灵魂的。